大竹です。皆様、シルバーウィークはいかがお過ごしになりましたか？こちらも一週間ブログをお休みさせていただき、ありがとうございました。本日からまた、皆さんの作品をご紹介していきたいと思います。
今回ご紹介させていただくのは、菊地さんの透明水彩作品です。こちらは制作のメイキングではなく、同じ風景を描いた六枚の水彩画です。（左上が最初に描かれたもので、右下が最も新しい作品です）
菊池さんは毎回、同じ風景を一度描いて終わりにするのではなく、「次はここをもう少しこうしたい」と、納得のいくまで何度も同じ場所を描き続けていらっしゃいます。（以前の作品はコチラ）六枚をこうして並べてみると、その変化がとてもよく分かりますね。
前の制作で感じた課題を次の作品で修正し、さらにその結果を踏まえてまた描き直す。その積み重ねによって、少しずつ作者が目指している風景へ近づいていく様子が見えてきます。
例えば、水の流れひとつをとっても、白く泡立つ部分や水面の青の入れ方が少しずつ変化しています。最初の作品から比べると、後の作品になるほど水の勢いや量感が強く感じられるようになっていますね。一方で、周囲の木々や岩についても、ただ形を描くのではなく、陽の光を受けた葉の明るさや、木陰の深い緑など、光によって変化する色を捉えようとしていることが伝わってきます。
水彩は、一度置いた色を油彩のように完全に覆い隠してしまうことが難しい画材です。そのためどこを残し、どこに色を重ねるかという判断が重要になります。回を重ねるごとに色の重なり方や明暗のつけ方が変化しているのを見ると、風景だけでなく、水彩という画材そのものへの理解も深まっているように感じます。
ちなみに小原先生によると、こうして納得できるまで同じ絵を何度も描くという制作をされるのは殆どが男性なのだとか。思えば、私も同じモチーフを連続して何枚も描き続けた記憶はありません。性別だけで制作傾向を語ることはもちろんできませんが、一つのことを突き詰めていくという姿勢には、作者のそれぞれの個性が表れていて面白いですね。 六枚を並べて見ることで、その行錯誤そのものが一つの作品のようにも感じられます。左上から右下へと視線を移しながら、作者の理想の風景へ近づいていく過程も、ぜひ楽しんでご覧ください。